Celtic Tiger

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C’est dans le noir que les premiers pas se font entendre. Le rythme est tellement rapide et si précis qu’il est impossible de deviner le nombre de danseurs présents sur scène. Ceci est une technique développée il y a quelques années par Michael Flatley qui permet de ne se concentrer que sur le son.

Chaque acte de Celtic Tiger possède une énergie, un thème historique et une signature musicale (Sing me an Irish Song et Yankee Doodle Dandy) qui lui est propre. Chaque chanson est à la fois moderne et profondément ancrée dans les traditions anciennes. Jusqu’à présent, le spectacle se concentre sur le passé, tandis que défilent sur le grand écran des vues de la campagne irlandaise. Comme le spectacle lui-même, The Sleeping Tiger demande au spectateur de regarder vers le passé pour comprendre le présent.

Dans ce numéro, des femmes, portant des coiffures ailées, évoquent la beauté inhumaine et le danger de la mer. Sur l’écran géant, un océan gris agité rappelle le courage et la détermination qui furent nécessaires pour atteindre les côtes d’Irlande.

La séquence historique prend fin tandis que la troupe de musiciens apparait sur scène. Michael Flatley, à la flûte, enflamme la scène, faisant se mélanger musique traditionnelle et moderne.

The British Grenadier est joué à la flûte tandis que les danseurs, une troupe de soldats britanniques, entrent en scène en uniforme rouge. Leur danse est brusque, précise, techniquement parfaite. Les visages sont neutres, ne montrent aucune émotion et leur posture est rigide et déterminée.

Tout au long de la danse des soldats, les images sur l’écran restent inchangées, excepté un détail: derrière le cottage, les champs et collines d’Irlande deviennent rouges. Le potentiel dramatique des écrans prend alors tout son sens lorsque l’un des danseurs met le feu au cottage. La chorégraphie est libre, il n’y a pas de figures ou de pas imposés. Les danseurs, la plupart en couple ou en petits groupes, offrent des performances passionnées.

Tout au long du numéro, les soldats regardent la scène sans bouger. Lorsque les danseurs les approchent pour demander de l’aide ou cherchent à s’évader, ils sont violemment repoussés.

Michael Flatley, le dernier à sortir du cottage, est habillé comme un prêtre catholique, portant un chapelet et priant. On peut entendre cette phrase, tirée du « Notre Père » :

... as we forgive those who trespass against us; and deliver us from evil.

Durant ce numéro, pendant que l’écran fait défiler des images de la campagne irlandaise, le ténor interprète, avec enthousiasme, Four Green Fields.

Dans cette chanson, l’Irlande se lamente du sort des quatre anciens royaumes d’Irlande (Ulster, Munster, Leinster and Connacht). Cette chanson, écrite par Tommy Makem en 1967, fait plus que pleurer les personnes emportées par la famine et la guerre, et la douleur d’une nation détruite. Il s’agit du seul numéro du spectacle qui se réfère aux Troubles (conflit nord-irlandais) de la fin du XX^e siècle : Ulster, le “quatrième champ vert” est resté sous domination britannique après la formation de la république d’Irlande.

La foule de Croke Park apparait sur l’écran derrière le footballeur, laissant ensuite place à l’image d’un char qui s’avance.

Une voix se fait entendre, la voix de Michael lisant les premières lignes de l’Insurrection de Pâques. La lumière des projecteurs s’intensifie pour laisser apparaître Michael, seul face à un cercle d’opposants. C’est dans ce numéro qu’il interprète son premier véritable solo de danse du spectacle : une série d’échanges individuels et agressifs avec les soldats britanniques. Les expressions faciales et le langage corporel de Michael sont tellement intenses que l’on peut ressentir sa colère.

Dans le spectacle, le tournant vient lorsqu’un échange violent ultime fait apparaître un éclair sur le grand écran. Michael brise le cercle, et s’avançant sur la scène, il s’empare d’un tambourin. La musique reprend avec The Rising of the Moon, l’un des appels aux armes les plus connus du répertoire folk irlandais.

Derrière les danseurs, le bureau de poste apparaît désormais à l’écran, et les coups de feu et les explosions forment un fond sonore chaotique tandis que les irlandais font face aux britanniques.

Les pas de danse, comme toujours, sont brusques et agressifs, les mouvements sont énergiques. Un nouveau stade d’énergie et de férocité a été atteint, mais à mesure que le numéro progresse, une autre impression émerge. La chorégraphie passe d’une confrontation de groupe stylisée à des combats en face-à-face.

Le personnage de la banshee, esprit féminin tiré du folklore irlandais, plane au-dessus du champ où sont étendus les corps sans vie. Le personnage, interprété par Katie Pomfret, est ici représenté par une jeune femme à la longue chevelure dorée portant une robe blanche fluide.

Le premier acte ne se termine pas par un numéro de danse mais par une performance vocale. Débutant avec la voix d’un seul jeune homme, le refrain de A Nation Once Again résonne, plein d’espoir. La troupe au complet entre en scène en chantant, y compris le joueur de football du Croke Park, qui porte maintenant un costume blanc. Le drapeau irlandais flotte sur l’écran géant. Les soldats britanniques sont partis, et les hommes et les femmes sont habillés selon le folklore irlandais, Michael Flatley en tête, chantant avec autant d’enthousiasme que le reste de la troupe.

Des avions traversent l’écran tandis qu’une hôtesse de l’air prend place sur scène et exécute quelques pas de danse malgré la hauteur impressionnante de ses chaussures à talons. Ses pas de danse sont modérés, voire maladroits. Derrière elle, les portes d’un hangar aéronautique s’ouvrent, la musique change complètement pour devenir plus rock. Un groupe de pilotes, mené par Michael et habillés d’un uniforme bleu ajusté et de lunettes teintées, apparait.

L’écran géant montre des images d’Ellis Island et de la statue de la liberté, tandis qu’au même moment, les danseurs portent la jeune femme à bout de bras, comme si elle survolait l’océan. Après l’avoir reposé à terre, un moment de tension se fait sentir. Des flammes embrasent le grand écran et la musique change brutalement.

Ce numéro a été très controversé, en particulier par le public américain. Pourtant ce n’est pas la première fois que Michael Flatley met en avant la sexualité dans la danse. Il s’agit pour lui d’une métaphore de la liberté personnelle. Le message n’est pas que la sexualité est le seul pouvoir qu’une femme détienne.

Sur l’écran, on découvre une séquence faisant défiler les drapeaux des différents pays dont les émigrés ont pris le chemin des États-Unis. Le drapeau irlandais termine cette séquence. Durant cette séquence, quatre danseurs traversent la scène avec d’énormes drapeaux. Ils ne représentent pas de nations, pas même le drapeau américain; ce sont des drapeaux blancs, symboles de la page blanche sur laquelle le futur reste à écrire.

C’est ensuite dans la danse que sont représentés tous les continents : salsa argentine, ballet classique, flamenco, hip-hop, puis danse irlandaise, à laquelle toute la troupe prend part.

Même si la culture du nouveau monde a été adoptée, il reste une pointe de nostalgie. L’un des thèmes les plus communs dans le folklore irlandais est l’amour séparé. Ici, Michael donne à ce thème classique la forme d’un ballet « pas de deux ». Pour ce spectacle, Michael a pour la première fois fait appel à un assistant chorégraphe, Molly Molloy.

La nostalgie est laissée de côté et le pouvoir brut des violons est libéré dans le prochain numéro, tandis que l’esprit du Tigre Celtique renaît dans une nouvelle ère. La musique suit la structure traditionnelle d’un quadrille, mais la chorégraphie n’a rien de traditionnel. Les yeux rouges du tigre brillent à nouveau sur l’écran tandis qu’au même moment, des danseurs et danseuses vêtus de costumes aux imprimés rappelant le pelage du tigre, surgissent sur scène dans une explosion d’énergie.

Durant cet interlude, la troupe se lance dans un numéro de rock alors que les images présentées à l’écran retracent le voyage du peuple irlandais, des luttes menées dans le passé aux accomplissements du présent. Débutant avec des photos en noir et blanc de la famine, et à travers un montage de personnages littéraires, politiques, culturels et sportifs, irlandais et américano-irlandais, la séquence célèbre les États-Unis en tant que pays ayant accueilli la population irlandaise en leur offrant un nouveau départ.

Le numéro commence avec l’arrivée de l’hôtesse de l’air, maintenant habillée en bikini, qui feint de jouer “Yankee Doodle” au pipeau. Elle est d’abord suivie par les pilotes puis par la troupe, tandis qu’apparaissent sur l’écran des images d’icônes américaines. Ce numéro est la célébration d’un pays, d’une communauté, d’un héritage, et de l’espoir.

Parmi tous les numéros du spectacle, c’est celui qui est le plus semblable au style et à la structure des œuvres précédentes de Michael. Le numéro se termine par le salut de la troupe.

Tandis que la troupe sort de scène, les musiciens y entrent pour entamer un medley de morceaux traditionnels. Le numéro est mené par les différents musiciens mais le guitariste s’offre une place de choix en exécutant un solo endiablé.

Après une pause, la guitare se fait entendre à nouveau, mais ne s’impose plus autant. Le numéro final est devenu complètement rock and roll. Les percussions prennent le dessus, mais il ne s’agit pas des percussions de la batterie mais de celles des pas des danseurs. Ce sont elles qui jouent le premier rôle et qui porte le numéro, offrant des thèmes et des variations, une complexité et une couleur. Dans ce dernier numéro, le son live de la danse fait partie intégrante de la musique. Ce ne sont pas les danseurs qui suivent la musique mais la musique qui accompagne la danse.

Pour ce numéro final, hommes et femmes portent un smoking. Ce numéro développe les pas les plus complexes entendus jusqu’alors, dont le point culminant est la reprise de l’effet de décélération exécuté pour la première fois lors du numéro d’ouverture, toujours à l’unisson.

1. ↑ Celtic Cafe